Seleccionar solo diez canciones de todos los tiempos es un desafío monumental. La música popular ha evolucionado durante décadas, dejando himnos que marcaron a generaciones enteras. Para esta selección se ha considerado una combinación de impacto cultural, influencia musical, éxito comercial y reconocimiento crítico. El resultado es un recorrido por distintos géneros, épocas y lugares del mundo, sin limitarse solo al idioma inglés, abarcando piezas que cambiaron la historia de la música. A continuación, un crítico musical experto repasa diez canciones emblemáticas, explicando su contexto y la razón de su inmensa importancia.
1. “Like a Rolling Stone” – Bob Dylan (1965)
En 1965, Bob Dylan dejó atrás el folk acústico y electrificó su sonido con “Like a Rolling Stone”, una canción de más de seis minutos que rompió los esquemas de la música pop de la época. Su letra sarcástica y poética retrata la caída de una joven de la alta sociedad, desilusionada con la vida real. El lanzamiento de este sencillo fue revolucionario: las radios, acostumbradas a canciones de 3 minutos, no pudieron ignorar su impacto y la programaron íntegra. A pesar de su duración, el tema alcanzó el número 2 en las listas de Billboard (solo fue frenado del primer puesto por “Help!” de The Beatles) (Bob Dylan records “Like A Rolling Stone” | June 16, 1965 | HISTORY). Dylan demostraba que el rock podía ser vehículo de poesía cruda y duras verdades.
La importancia de “Like a Rolling Stone” fue más creativa que comercial. Dylan “transformó la canción popular con el contenido y la ambición de ‘Like a Rolling Stone’” (Bob Dylan records “Like A Rolling Stone” | June 16, 1965 | HISTORY), según la revista Rolling Stone al nombrarla la mejor canción de todos los tiempos en 2004. Artistas contemporáneos inmediatamente sintieron el sacudón: el nuevo sonido de Dylan influenció directamente a The Beatles, The Byrds y hasta a un joven Stevie Wonder a buscar mayor profundidad en su música (Bob Dylan records “Like A Rolling Stone” | June 16, 1965 | HISTORY). Bruce Springsteen recordó que al oírla por primera vez sintió “como si alguien pateara la puerta de tu mente” (Bob Dylan records “Like A Rolling Stone” | June 16, 1965 | HISTORY). Este tema marcó un antes y un después: Dylan amplió las fronteras líricas del rock, probando que una canción podía ser al mismo tiempo un éxito radiofónico y una obra de arte incisiva y literaria.
2. “(I Can’t Get No) Satisfaction” – The Rolling Stones (1965)
En el mismo año frenético de 1965, The Rolling Stones lanzaron el riff más famoso de la historia del rock: “(I Can’t Get No) Satisfaction”. Compuesta por Mick Jagger y Keith Richards, la canción capturó a la perfección la frustración y rebeldía juvenil de los años 60. Ese arrasador riff de guitarra con fuzz, que Richards dijo haber compuesto casi dormido, se convirtió en un emblema del rock & roll. La letra, con la voz insolente de Jagger, hablaba de la insatisfacción con el consumismo y la censura sexual, algo atrevido para la época. En pocas semanas, “Satisfaction” sonaba por todos lados, convertida en la canción del verano del 65 y en el primer gran himno de los Stones (A 55 años de Satisfaction: la canción que nació en un sueño de Richards y completó Jagger con su carga sexual – Infobae). El sencillo trepó al #1 en EE. UU. y Reino Unido, disparando la fama mundial del grupo.
El impacto cultural fue enorme. Con “Satisfaction” los Stones pasaron de ser “una banda más, a una banda inmensa, monstruosa”, en palabras del propio Jagger (A 55 años de Satisfaction: la canción que nació en un sueño de Richards y completó Jagger con su carga sexual – Infobae). El tema consolidó la imagen de los Stones como los chicos malos del rock, opuestos a la inocencia de The Beatles. Su arrogancia sonora y lírica representó la voz de una generación inconforme. Críticamente, suele figurar entre las mejores canciones de todos los tiempos (la revista Rolling Stone la colocó #2 en su ranking histórico) (Anexo:Las 500 mejores canciones de todos los tiempos según Rolling Stone – Wikipedia, la enciclopedia libre). Medio siglo después, el riff de “Satisfaction” sigue levantando al público de sus asientos, y su espíritu irreverente se mantiene como símbolo de la energía juvenil y la esencia del rock.
3. “Imagine” – John Lennon (1971)
Tras la separación de The Beatles, John Lennon compuso en 1971 “Imagine”, una balada al piano de melodía sencilla pero mensaje poderoso. Nacida en plena Guerra de Vietnam, la canción invita a imaginar un mundo en paz, sin fronteras, sin fanatismos religiosos ni materiales que dividan a la humanidad. Su tono onírico y esperanzador la convirtió en un himno universal por la paz. Aunque en su lanzamiento inicial tuvo buena recepción (fue #1 en varios países, y años más tarde tras la muerte de Lennon llegó al tope en Reino Unido), su verdadero triunfo ha sido cultural. “Imagine” se canta en actos por la paz, en protestas y conciertos benéficos alrededor del mundo, trascendiendo idiomas y generaciones.
El legado de “Imagine” es difícil de sobreestimar. En prácticamente cualquier país, la melodía de “Imagine” es reconocida al nivel de un himno. El expresidente Jimmy Carter llegó a decir que en sus viajes “en muchos países… se escucha la canción ‘Imagine’ de John Lennon usada casi tanto como los himnos nacionales” (The Legacy of John Lennon’s Song “Imagine”). Pocas composiciones alcanzan ese estatus. Aunque inicialmente fue tachada de utópica (incluso de “comunista” por su llamado a imaginar un mundo sin religiones ni posesiones), con el tiempo su mensaje de hermandad ha prevalecido. Críticos y artistas la aplauden: Paul McCartney admitió que supo desde el primer momento que era “un tema demoledor”, y Bono (de U2) confesó que “Imagine” fue la razón por la que él quiso dedicarse a la música (The Legacy of John Lennon’s Song “Imagine”). Con sus acordes sencillos y letra transparente, Lennon logró componer una oración laica por un mundo mejor. “Imagine” sigue inspirando campañas humanitarias y emocionando a millones con su idealismo, consolidada como una de las canciones más influyentes del siglo XX.
4. “Respect” – Aretha Franklin (1967)
En 1967, una joven Aretha Franklin tomó una canción escrita por Otis Redding y la convirtió en su propio estandarte. “Respect” en la versión original de Redding (1965) era el ruego de un hombre pidiendo consideración a su pareja. Aretha invirtió el punto de vista, transformándola en un poderoso himno de empoderamiento femenino y de orgullo afroamericano. Con su voz prodigiosa, añadió arreglos de soul vibrantes, el famoso puente donde deletrea “R-E-S-P-E-C-T” y los coros de “sock it to me” que no estaban en la versión de Otis. El resultado fue explosivo: “Respect” se elevó al #1 del Billboard en 1967, dando a Aretha Franklin su primer gran éxito y coronándola como la indiscutida “Reina del Soul”.
La importancia de “Respect” trasciende lo musical. En plena lucha por los derechos civiles y el surgimiento del movimiento feminista moderno, la interpretación de Aretha se volvió un himno de las protestas por la igualdad (‘Respect’: Cómo Aretha Franklin convirtió la canción ‘machista’ de Otis Redding en un himno feminista | Actualidad | LOS40). La letra –ahora en boca de una mujer exigente– resonó como un llamado a la dignidad para las mujeres y la comunidad negra por igual. Otis Redding, impresionado, reconoció humildemente tras escuchar a Aretha: “Ya no es mi canción, de ahora en adelante le pertenece a ella” (‘Respect’: Cómo Aretha Franklin convirtió la canción ‘machista’ de Otis Redding en un himno feminista | Actualidad | LOS40). “Respect” ganó dos premios Grammy y fue incluida en el Registro Nacional de Grabaciones de EE. UU. por su valor cultural. Decenas de artistas la han versionado, pero ninguna interpretación alcanza la fuerza de Aretha levantando su voz para pedir “respeto”. La crítica la sigue venerando: en 2021, la revista Rolling Stone la eligió la mejor canción de todos los tiempos ( Rolling Stone Magazine Named ‘Respect’ #1 Song Of All Time – CBS Detroit), reconociendo su duradero impacto. Medio siglo después, “Respect” continúa siendo un himno en eventos que celebran el poder de la mujer y la igualdad, prueba viviente de cómo Aretha Franklin redefinió el significado de la palabra respeto en la música popular.
5. “Bohemian Rhapsody” – Queen (1975)
(“Bohemian Rhapsody” de Queen: 49 años de una canción que desafió los límites musicales — Radio Concierto Chile) La icónica pose de Queen en el video de “Bohemian Rhapsody”, con Freddie Mercury al frente.
En 1975, Queen apostó todo con “Bohemian Rhapsody”, una pieza de rock sinfónico de seis minutos que desafió cada norma comercial. Escrita por Freddie Mercury, la canción es una pequeña ópera rock: no tiene estribillo y está dividida en secciones muy distintas (balada al piano, solo de guitarra, un pasaje operístico con coros caricaturescos, climax de hard rock y un emotivo outro) (“Bohemian Rhapsody” de Queen: 49 años de una canción que desafió los límites musicales — Radio Concierto Chile). Nunca antes una canción tan compleja se había lanzado como sencillo pop. Los ejecutivos temían que la radio la rechazara por larga y rara, pero Mercury insistió. Al publicarse en octubre de 1975, “Bohemian Rhapsody” sorprendió al mundo: capturó la atención de millones y se convirtió en un éxito global inmediato (“Bohemian Rhapsody” de Queen: 49 años de una canción que desafió los límites musicales — Radio Concierto Chile). En el Reino Unido ocupó el #1 durante nueve semanas seguidas (“Bohemian Rhapsody” de Queen: 49 años de una canción que desafió los límites musicales — Radio Concierto Chile) (récord para la época), y años después volvió al #1 tras la muerte de Mercury en 1991, totalizando más de 2,17 millones de copias vendidas solo en UK y siendo el tercer sencillo más vendido en la historia británica (“Bohemian Rhapsody” de Queen: 49 años de una canción que desafió los límites musicales — Radio Concierto Chile).
La influencia de “Bohemian Rhapsody” ha sido inmensa. Demostró que el público masivo estaba dispuesto a abrazar la experimentación si esta venía acompañada de talento y emoción. La canción revolucionó la música popular, abriendo la puerta para fusiones de géneros y estructuras no convencionales en el rock (“Bohemian Rhapsody” de Queen: 49 años de una canción que desafió los límites musicales — Radio Concierto Chile). Su vídeo promocional, con los cuatro rostros de Queen cantando a capela en la penumbra, es considerado precursor del videoclip moderno. De hecho, está tan arraigada en la cultura que en 1992 una escena icónica de la película Wayne’s World mostró a unos jóvenes meneando la cabeza al ritmo del segmento hard rock, lo que reavivó su popularidad entre nuevas audiencias (“Bohemian Rhapsody” de Queen: 49 años de una canción que desafió los límites musicales — Radio Concierto Chile). Críticamente, suele figurar en los primeros puestos de listados de mejores canciones; su mezcla de opereta dramática y rock potente la hace única. Freddie Mercury logró con ella que millones de personas en el mundo entero coreen palabras como “Scaramouche, fandango, Galileo” sin saber exactamente qué significan, solo dejándose llevar por la magnificencia sonora. “Bohemian Rhapsody” es, en síntesis, una celebración de la libertad creativa en el rock, una obra maestra extravagante que ha resistido la prueba del tiempo y sigue fascinando a nuevas generaciones.
6. “Smells Like Teen Spirit” – Nirvana (1991)
(“Smells Like Teen Spirit” de Nirvana: 33 años del éxito que revolucionó el grunge — Radio Concierto Chile) Nirvana en 1991, con Kurt Cobain (izq.) encabezando la ola grunge gracias a “Smells Like Teen Spirit”.
En septiembre de 1991, Nirvana encendió la mecha de una revolución musical con “Smells Like Teen Spirit”. Esta canción, lanzada casi de forma discreta, terminó marcando un antes y un después en la música y llevando el grunge desde la escena alternativa al fenómeno global (“Smells Like Teen Spirit” de Nirvana: 33 años del éxito que revolucionó el grunge — Radio Concierto Chile). Con su furioso riff inicial de guitarra, la voz áspera de Kurt Cobain y una explosión de energía desenfrenada en el estribillo, el tema capturó el desencanto de la Generación X. El propio título surgió de un graffiti casual de una amiga de Cobain que bromeaba sobre el desodorante Teen Spirit, pero acabó simbolizando el olor a espíritu adolescente rebelde en el aire de los 90. Inicialmente Nirvana no esperaba mucho: la canción empezó a escalar posiciones solo después de que MTV difundiera masivamente su video, en el que la banda desencadena un caótico motín estilo punk en un gimnasio escolar (“Smells Like Teen Spirit” de Nirvana: 33 años del éxito que revolucionó el grunge — Radio Concierto Chile). A fin de 1991, “Teen Spirit” ya había entrado al Top 10 en EE. UU., Reino Unido y gran parte de Europa (“Smells Like Teen Spirit” de Nirvana: 33 años del éxito que revolucionó el grunge — Radio Concierto Chile), empujando a su álbum Nevermind al #1 y destronando del trono a las estrellas del pop de aquel entonces (“Smells Like Teen Spirit” de Nirvana: 33 años del éxito que revolucionó el grunge — Radio Concierto Chile).
El impacto de “Smells Like Teen Spirit” fue sísmico. Se la proclamó inmediatamente “el himno de la Generación X”, un símbolo de la apatía y frustración juvenil de los años 90 (“Smells Like Teen Spirit” de Nirvana: 33 años del éxito que revolucionó el grunge — Radio Concierto Chile). La revista TIME la llamó “un himno para los niños apáticos”, pues sus versos indescifrables pero emotivos canalizaban la confusión, el enojo y la desgana de una generación desorientada (“Smells Like Teen Spirit” de Nirvana: 33 años del éxito que revolucionó el grunge — Radio Concierto Chile). Millones de jóvenes alrededor del mundo se identificaron con su sonido crudo y su actitud de ya nada importa, adoptando la estética grunge (camisas de franela, jeans rotos) como nueva moda. En términos musicales, Nirvana derribó la barrera entre el mainstream y el underground (“Smells Like Teen Spirit” de Nirvana: 33 años del éxito que revolucionó el grunge — Radio Concierto Chile): tras el éxito de “Teen Spirit”, docenas de bandas alternativas y del movimiento de Seattle (Pearl Jam, Soundgarden, Alice in Chains) conquistaron las radiofórmulas y listas de venta. La canción ganó dos premios MTV y suele aparecer en los primeros puestos de las mejores canciones de los 90. Trágicamente, Kurt Cobain murió pocos años después, pero el legado de “Smells Like Teen Spirit” perdura. Cada vez que suena ese riff inicial, los acordes siguen encendiendo la misma chispa de rebelión, recordándonos cómo una sola canción logró cambiar el curso de la música popular a principios de los 90.
7. “Thriller” – Michael Jackson (1982)
En 1982, Michael Jackson ya era una estrella, pero con “Thriller” ascendió a un nivel estratosférico e indiscutible de influencia global. La canción, que da título al álbum más vendido de la historia (con más de 65 millones de copias) (17 cosas que no sabías del vídeo más Halloween, ‘Thriller’ | ICON | EL PAÍS), mezcla pop y funk con una ambientación de película de terror serie B: puertas que chirrían, aullidos de lobo y la narración escalofriante del actor Vincent Price. Sin embargo, la verdadera revolución vino con su videoclip de 1983. Más que un video musical, “Thriller” fue un cortometraje de 14 minutos dirigido por John Landis, con Michael convertido en hombre-lobo y comandando a un ejército de zombis bailarines en una inolvidable coreografía. Este video está considerado el más emblemático en la historia del género (17 cosas que no sabías del vídeo más Halloween, ‘Thriller’ | ICON | EL PAÍS), y su estreno fue todo un evento televisivo mundial (en España, por ejemplo, se emitió en un especial de Nochevieja causando sensación (17 cosas que no sabías del vídeo más Halloween, ‘Thriller’ | ICON | EL PAÍS)). MTV lo rotó sin parar –hasta dos veces por hora– catapultando las ventas del álbum a cifras jamás vistas (17 cosas que no sabías del vídeo más Halloween, ‘Thriller’ | ICON | EL PAÍS).
El aporte de “Thriller” a la cultura popular es monumental. Michael Jackson rompió barreras raciales en MTV: antes de él, era raro que un artista negro tuviera alta rotación en la cadena; tras “Thriller” (y “Billie Jean”), quedó claro que la música no conocía ese tipo de fronteras. El video de “Thriller” redefinió el concepto de videoclip como pieza artística y de marketing – después de su éxito, todos los artistas quisieron hacer vídeos de alto calibre cinematográfico. La icónica chaqueta roja de cuero y los pasos de baile de los zombis pasaron instantáneamente al imaginario colectivo; cada Halloween, millones de personas alrededor del mundo imitan la coreografía de “Thriller” como ritual festivo. En 2009, este video fue el primer videoclip musical preservado por la Biblioteca del Congreso de EE. UU. en el Registro Nacional de Cine, reconociendo su valor histórico y estético. Desde el punto de vista musical, la canción en sí se ha vuelto indispensable cada temporada de Halloween, sonando como himno de esas fechas año tras año. Aunque sorprendentemente el sencillo nunca llegó al #1 en Estados Unidos (alcanzó el #4 en 1984, eclipsado por otros éxitos previos del mismo álbum), ganó dos premios Grammy y ha vendido millones de copias digitales desde entonces. “Thriller” consolidó a Michael Jackson como el “Rey del Pop” e ilustró el poder de la fusión entre música y audiovisual. Hoy, más de cuatro décadas después, la sola palabra “Thriller” evoca automáticamente la risa maléfica de Vincent Price y unos pies que avanzan de puntillas bajo la luna llena, prueba de la huella indeleble que dejó en la cultura global.
8. “Yesterday” – The Beatles (1965)
Pocas bandas han marcado la historia como The Beatles, y entre su asombrosa colección de canciones destaca “Yesterday”, una balada atemporal que vio la luz en 1965 dentro del álbum Help! de los de Liverpool. Compuesta por Paul McCartney (acreditada Lennon/McCartney), “Yesterday” sorprendió por su sencillez y emotividad: solo Paul con guitarra acústica, acompañado de un cuarteto de cuerdas, cantando sobre la nostalgia por un amor perdido y tiempos más sencillos. Esta instrumentación íntima y clásica fue inusual para un grupo de rock en los 60, señalando la evolución hacia terrenos más sofisticados en la música pop. Aunque The Beatles no la lanzaron como sencillo en el Reino Unido, en Estados Unidos sí lo hicieron y alcanzó el #1, mostrando que el público también apreciaba su faceta melancólica.
Lo que realmente distingue a “Yesterday” es su asombroso legado posterior. Según el Récord Guinness, es la canción con más versiones en la historia – se contabilizan más de mil interpretaciones registradas por distintos artistas (Yesterday: la historia de la canción más versionada del mundo), desde leyendas como Ray Charles, Frank Sinatra o Elvis Presley hasta voces en innumerables idiomas. Asimismo, figura entre las composiciones más difundidas en la radio de todos los tiempos (Yesterday: la historia de la canción más versionada del mundo). Esto significa que prácticamente en cualquier momento del día, en algún lugar del mundo, está sonando “Yesterday” en alguna voz. La canción demostró la madurez compositiva de The Beatles en plena Beatlemanía y allanó el camino para que el rock incorporara arreglos de música clásica. Críticos y músicos aplauden su belleza simple: su melodía llegó entera a McCartney en un sueño –cuenta la anécdota que al despertar, Paul la tarareó pensando que inconscientemente podía haber plagiado a alguien, de lo perfecta que le sonaba (Yesterday: la historia de la canción más versionada del mundo)– y tras confirmar que era original, la convirtió en esta joya melancólica. “Yesterday” es también ejemplo de la universalidad emocional de la música: con solo dos minutos de duración y letra introspectiva, logró conectar con millones de corazones. Sigue siendo un número infaltable en conciertos tributo, películas (inspiró incluso el filme titulado Yesterday en 2019) y en repertorios de aspirantes a cantantes. En definitiva, es una balada inmortal que consolidó a The Beatles no solo como ídolos juveniles, sino como artesanos de canciones imperecederas.
9. “La Bamba” – Ritchie Valens (1958)
En la rica tradición musical de Veracruz, México, existía desde el siglo XVII un son jarocho festivo llamado “La Bamba”. Su fama local trascendió cuando, en 1958, un joven de 17 años llamado Ritchie Valens (nacido Ricardo Valenzuela) decidió adaptarla al rock & roll. Cantada íntegramente en español, con vibrante ritmo de guitarra y la inconfundible exclamación “¡arriba!”, la versión de Valens se convirtió en uno de los primeros éxitos latinos del rock. En una era dominada por canciones en inglés, “La Bamba” alcanzó el puesto #22 en Billboard y llevó el sabor hispano a la naciente escena del rock estadounidense. Ritchie Valens, como uno de los pocos latinos en el rock de los 50, abrió puertas: mostró que se podía triunfar cantando en español en la radio anglosajona y que los ritmos mexicanos podían fusionarse con guitarras eléctricas. Lamentablemente, su carrera fue brevísima –Valens falleció en 1959 en el trágico accidente aéreo conocido como “el día que murió la música”, junto a Buddy Holly y The Big Bopper–, pero “La Bamba” ya había dejado sembrada la semilla de la influencia latina en el rock.
Con el tiempo, “La Bamba” se consolidó como un clásico mundial. Es la única canción en español incluida en la lista de las 500 mejores canciones de la historia de Rolling Stone (‘La Bamba’ es la única canción en español dentro de las 500 mejores de la historia – Diario de Xalapa | Noticias Locales, Policiacas, sobre México, Veracruz, y el Mundo), reflejando su enorme impacto cultural. En 1987 volvió a ocupar el centro de la escena gracias a la película La Bamba (biopic sobre Valens) y la versión realizada por Los Lobos, que llegó al #1 de Billboard, convirtiéndose oficialmente en la primera canción cantada en español que lideró el Hot 100 estadounidense (La bamba – Wikipedia, la enciclopedia libre). Esto demostró la atemporalidad y el atractivo universal de la melodía. Desde entonces, “La Bamba” es un estándar obligado en fiestas y celebraciones tanto en América Latina como en el resto del mundo; su alegre estribillo “Yo no soy marinero, soy capitán” es conocido por gente que quizá no habla español pero lo canta fonéticamente con entusiasmo. La canción ha sido versionada por incontables artistas y representa un punto de orgullo: es un himno oficioso de Veracruz y un símbolo de la fusión cultural entre lo latino y el mainstream anglo. Sin “La Bamba”, la historia del rock sería menos diversa. Gracias a Ritchie Valens, la riqueza del folclore mexicano se inmortalizó en el idioma universal del rock & roll.
10. “Johnny B. Goode” – Chuck Berry (1958)
Si hay un riff de guitarra que inauguró la era del rock and roll, es el de “Johnny B. Goode”. En 1958, el pionero Chuck Berry lanzó esta canción semi-autobiográfica sobre un muchacho de campo que soñaba con ser una estrella de la guitarra. Con su introducción trepidante de guitarra eléctrica y su ritmo de boogie contagioso, “Johnny B. Goode” se erigió como uno de los primeros éxitos del naciente género del rock & roll (Rock and roll, nenenennn. Johnny B. Goode, la obra maestra de Chuck Berry). Alcanzó el Top 10 en las listas pop de EE. UU. y se convirtió en la canción insignia de Berry, quien ya era conocido por otros clásicos pero nunca brilló tanto como con este tema. La figura del protagonista country boy que podía “tocar la guitarra como si tocara una campana” fue inspiración pura para jóvenes músicos de la época: Berry estaba cantando sobre ellos mismos, sobre el sueño americano del chico humilde que gracias al rock alcanza la gloria.
Musicalmente, “Johnny B. Goode” sentó las bases de lo que sería el rock de guitarras. Su riff inicial es quizá el más reconocible de la historia del género, aprendido por aspirantes a guitarristas de todas las generaciones (El 31 de marzo de 1958, Chuck Berry lanzó “Johnny B. Goode”, una …). La canción mostró cómo fusionar el rhythm & blues con la energía juvenil blanca, influenciando a bandas británicas de los 60 (The Beatles y The Rolling Stones versionaron temas de Berry y aprendieron de su estilo). No es casualidad que en 1977 la NASA incluyó “Johnny B. Goode” en el Disco de Oro de las sondas Voyager, como muestra representativa del rock terrestre enviada al espacio interestelar. Pocas distinciones hablan tan alto: si algún día inteligencias lejanas descubren ese disco, escucharán la guitarra de Chuck Berry brillando como un saludo de la humanidad. Además de su viaje cósmico, la canción ha tenido una vida prolífica aquí en la Tierra: sigue siendo de los temas más versionados por otros artistas (Rock and roll, nenenennn. Johnny B. Goode, la obra maestra de Chuck Berry) y apareció en infinidad de películas (¿quién puede olvidar a Marty McFly tocándola en Back to the Future, “antes” de que Berry la escribiera?). Críticos la ubican consistentemente en puestos de honor entre las mejores canciones; Rolling Stone la situó en el Top 10 histórico (Anexo:Las 500 mejores canciones de todos los tiempos según Rolling Stone – Wikipedia, la enciclopedia libre). En suma, “Johnny B. Goode” es el ADN del rock & roll: rebeldía, virtuosismo accesible y ritmos irresistibles. Sin ella, Elvis, los Beatles y tantos otros quizás no hubieran sonado igual. Chuck Berry fijó el camino a seguir –o, como proclama la letra, “algún día tu nombre estará en luces”– y efectivamente iluminó el horizonte para las futuras estrellas del rock.
En conclusión, estos diez temas representan hitos donde la música popular cambió de rumbo o alcanzó nuevas cimas. Cada canción seleccionada, ya sea una balada emotiva, un rugido de rebeldía rockera, un himno social o una fusión innovadora, dejó una huella indeleble. Son composiciones que no solo arrasaron en su momento, sino que inspiraron a incontables artistas posteriores, definieron movimientos culturales y permanecen, décadas después, como referentes vivos. Hablan distintos idiomas –inglés, español, el lenguaje universal del ritmo–, pero todas comparten ese magnetismo especial que las hace inmortales. Al escuchar cualquiera de ellas, uno siente el pulso de la historia y comprende por qué figuran entre las más importantes de la discografía mundial de todos los tiempos.
Referencias:
- Rolling Stone – “Las 500 mejores canciones de todos los tiempos” (2004) (Anexo:Las 500 mejores canciones de todos los tiempos según Rolling Stone – Wikipedia, la enciclopedia libre)
- History.com – “Bob Dylan records ‘Like A Rolling Stone’” (Bob Dylan records “Like A Rolling Stone” | June 16, 1965 | HISTORY) (Bob Dylan records “Like A Rolling Stone” | June 16, 1965 | HISTORY) (Bob Dylan records “Like A Rolling Stone” | June 16, 1965 | HISTORY)
- Infobae – “A 55 años de ‘Satisfaction’…” (A 55 años de Satisfaction: la canción que nació en un sueño de Richards y completó Jagger con su carga sexual – Infobae) (A 55 años de Satisfaction: la canción que nació en un sueño de Richards y completó Jagger con su carga sexual – Infobae)
- Biography.com – “The Legacy of John Lennon’s ‘Imagine’” (The Legacy of John Lennon’s Song “Imagine”) (The Legacy of John Lennon’s Song “Imagine”)
- Los40 – “Aretha Franklin convirtió ‘Respect’ en un himno feminista” (‘Respect’: Cómo Aretha Franklin convirtió la canción ‘machista’ de Otis Redding en un himno feminista | Actualidad | LOS40)
- CBS News – “‘Respect’ #1 song of all time (Rolling Stone)” ( Rolling Stone Magazine Named ‘Respect’ #1 Song Of All Time – CBS Detroit)
- Concierto.cl – “Bohemian Rhapsody desafió los límites musicales” (“Bohemian Rhapsody” de Queen: 49 años de una canción que desafió los límites musicales — Radio Concierto Chile) (“Bohemian Rhapsody” de Queen: 49 años de una canción que desafió los límites musicales — Radio Concierto Chile) (“Bohemian Rhapsody” de Queen: 49 años de una canción que desafió los límites musicales — Radio Concierto Chile)
- Concierto.cl – “Smells Like Teen Spirit revolucionó el grunge” (“Smells Like Teen Spirit” de Nirvana: 33 años del éxito que revolucionó el grunge — Radio Concierto Chile) (“Smells Like Teen Spirit” de Nirvana: 33 años del éxito que revolucionó el grunge — Radio Concierto Chile) (“Smells Like Teen Spirit” de Nirvana: 33 años del éxito que revolucionó el grunge — Radio Concierto Chile) (“Smells Like Teen Spirit” de Nirvana: 33 años del éxito que revolucionó el grunge — Radio Concierto Chile) (“Smells Like Teen Spirit” de Nirvana: 33 años del éxito que revolucionó el grunge — Radio Concierto Chile)
- El País – “Thriller, el vídeo musical más famoso” (17 cosas que no sabías del vídeo más Halloween, ‘Thriller’ | ICON | EL PAÍS) (17 cosas que no sabías del vídeo más Halloween, ‘Thriller’ | ICON | EL PAÍS)
- Aire de Santa Fe – “Yesterday: la canción más versionada del mundo” (Yesterday: la historia de la canción más versionada del mundo) (Yesterday: la historia de la canción más versionada del mundo)
- Diario de Xalapa (OEM) – “‘La Bamba’, única canción en español entre las 500 mejores” (‘La Bamba’ es la única canción en español dentro de las 500 mejores de la historia – Diario de Xalapa | Noticias Locales, Policiacas, sobre México, Veracruz, y el Mundo)
- Wikipedia (es) – “La bamba” (La bamba – Wikipedia, la enciclopedia libre)
- La Izquierda Diario – “Johnny B. Goode, la obra maestra de Chuck Berry”